Cash Money, E1, Def Jam South… De grosses cylindrées à la puissance de frappe considérable. Leur point commun ? Un DJ rondouillard d’origine Palestinienne qui roule sa bosse depuis ses débuts avec le Terror Squad sous le pseudonyme de DJ Khaled. Pour le meilleur, et souvent pour le pire. Beatmaker avisé, personnage charismatique pour certains, insupportable et dénué d’intérêt pour d’autres, Khaled fait parler de lui. Beaucoup trop même. A l’occasion de la sortie de son nouvel album, We The Best Forever, Neo Boto a fait le pari de décrypter la personnalité d’un artiste qui, il faut bien l’avouer, est l’archétype d’un hip-hop traînant dans la boue son côté musical au profit d’ambitions lucratives exacerbées. We the beeeeest !!! Ouais, on verra ça plus tard…

DJ Khaled, le gueulard

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Birdman – 100 Million feat. DJ Khaled, Rick Ross, Dre, Lil Wayne & Young Jeezy

Que celui qui n’a jamais eu de pulsions meurtrières à l’écoute d’un titre de Khaled me jette la première pierre. Nous noyant sous les risibles « DJ Khaleeeed”, “We The Beeeest” et autres “We get moneeey”, le natif de la Nouvelle-Orléans a bâti sa réputation sur un socle intarissable d’onomatopées et énoncés plus ridicules les uns que les autres.

Le plus inquiétant, c’est qu’à l’écoute de We The Best Forever, il semble que le bonhomme ne compte pas s’arrêter en si bon chemin, se pliant en quatre (si son ventre le lui permet) pour livrer à chaque sortie un lot nouveau d’énoncés bruyants qui viennent suppléer ses merveilleuses trouvailles antérieures.

On avait eu le droit à « Liiiiiistennnnn » sur son premier album, puis « We the beeeeest » avait repris le flambeau. Aujourd’hui, tenez vous bien, Khaled a décidé d’ajouter le suffixe « forever » à sa formule dores et déjà classique. Le résultat ? Un « We the best forever! » rutilant.

DJ Khaled, le beatmaker

Avant de s’évertuer à faire bouger sans vergogne les clubs de Miami, DJ Khaled était un producteur émérite, auteur de quelques pépites parmi lesquelles « Gangsta » de Fabolous, « Nothing’s Gonna Stop Me » pour le Terror Squad ou « Beat Novacane » de Fat Joe. Capable d’alterner beats soulful, davantage raw et carrément sudistes, le DJ attitré de l’écurie de Fat Joe semble avoir du talent plein la MPC. Très peu mis à contribution ces dernières années, il est inévitable de se pencher sur le travail initial de cet exubérant personnage pour prendre la pleine mesure de son revirement artistique. Finalement rattrapé par le succès, les tatouages de Birdman et les seins siliconés de Miami Beach, DJ Khaled semble être tombé dans une formule préconçue, indéniablement lucrative mais qui musèle ses prédispositions.

DJ Khaled, l’entremetteur

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DJ Khaled – Welcome to My Hood (Remix) feat. T-Pain, Ludacris, Busta Rhymes, Twista, Mavado, Birdman, Ace Hood, Fat Joe, Jadakiss, Bun B, Game & Waka Flocka Flame

Quel personnage de la scène hip-hop peut se targuer de réunir Rick Ross, Busta Rhymes, Diddy, Nicki Minaj, Fabolous, Jadakiss, Fat Joe, Swizz Beatz et T-Pain sur le même titre ? Disposant d’une aura étonnamment étendue, chaque sortie de DJ Khaled vaut son pesant de cacahuètes. En réunissant sans discontinuer les artistes les plus en vue du moment (attention, personne n’a parlé de talent) sur des productions empruntées aux Runners, Cool & Dre, The Inkredibles, Lex Luger et autres Boi-1Da, Khaled s’assure au moins un succès d’ampleur par galette. Là où le bas blesse, c’est qu’en analysant la tracklist de We The Best Forever, il est difficile de déceler la moindre trace du résident de Miami. Ne co-produisant qu’un seul des titres de son propre album, « Welcome To My Hood », le rôle de Khaled bin Abdul Khaled semble se résumer à passer des coups de téléphone, montrer sa silhouette gracieuse dans ses clips et s’évertuer à gueuler à qui veut l’entendre qu’il est le « Best forever ». Un boulot à plein temps.

DJ Khaled, le MC

Non là, franchement, la performance parle d’elle-même. Le suicide musical (et vestimentaire) débute à 0 :38. Eloignez les enfants, sortez les biberons et les sonotones. On vous aura prévenu. Not safe for work comme ils disent.

Grossière arnaque ou génie de l’Entertainment ? DJ Khaled divise autant qu’il fédère. Porté depuis des années déjà par une pléiade d’artistes définissant le son de Miami, Khaled a ouvert la voie à une nouvelle conception du hip-hop. Une culture s’inscrit dans la longévité de par sa capacité à redéfinir ses codes et à se réinventer constamment. Doit-on regretter l’avènement de DJ Khaled et sa clique de tatoués ? Disons simplement qu’il y a des mutations dont on se serait volontiers passé…

Qui est véritablement Lloyd ? L’artiste lisse façonné au gré des envies de Irv Gotti, condamné à une carrière de perpétuel outsider ou véritable artiste jusqu’alors muselé contraint à un parcours banal et sans embûche ? A l’heure où le quatrième effort du natif de la Nouvelle-Orléans s’apprête à s’immiscer dans les playlists des aficionados de r’n’b cotonneux, NeoBoto dissèque la personnalité d’un artiste décidément aux antipodes des clichés qu’on lui prête volontiers.

Lloyd c’est…

30% de Michael Jackson

Pour cette voix nasillarde, que l’on sent parfois à la limite de la rupture, charismatique et reconnaissable entre mille. MJ, pour cette volonté, toute proportion gardée, de se redécouvrir et se réinventer, symbolisée par King Of Hearts, ce nouveau projet aux contours difficilement discernables la première écoute consommée. Une prise de risque délibérée pour celui qui déclare vouloir évoluer en dehors des sentiers battus. En définitive, King Of Hearts, c’est un peu le Off The Wall de Lloyd. Alors que Jackson s’évertuait à changer la ligne conductrice qui était la sienne pendant ses années sous Motown, Lloyd s’émancipe de l’influence du label Murder Inc, pour proposer un album davantage personnel et empli d’une musicalité aux influences seventies (« Dedication To My Ex ») et nineties (« Naked » et sa sensualité à la Brian McKnight) marquées couplée à du r’n’b emprunté à la mouvance actuelle (« Luv Me Girl »).

20% de Lil Wayne

Originaires tous deux de la Nouvelle-Orléans, cette ville au rayonnement musical étendu, épicentre du jazz et du blues, Lloyd et Wayne ont tous deux eu une enfance placée sous le joug de la précarité. Très jeune, alors que Lil Wayne rejoignait les Hot Boys, collectif complètement barré sous la houlette du mogul Birdman, Lloyd faisait ses armes au sein du groupe d’adolescents pré pubères N-Toon. Intimement, la carrière des deux lurons reste liée, puisque Lloyd doit ses plus francs succès au soldat de Young Money (« You », « Bedrock »). Un parcours en parallèle pour une carrière diamétralement opposée.

20% de Raphael Saadiq

Pour cette touche old-school appréciable qui se dégage indéniablement des titres « Dedication To My Ex », « Lay It Down » ou « Cupid ». Un grain particulier qui vient ponctuer une palette artistique peu fournie, le chanteur ayant du mal à se renouveler sur ses trois premiers efforts. A l’instar de Saadiq, Lloyd semble opérer un retour aux sources salvateur pour extirper sa carrière des méandres marécageux de la monotonie. Attention cependant, si le chanteur de Tony ! Toni ! Toné ! avait réussi un coup de maître sur The Way I See It, il s’était un tantinet fourvoyé en voulant exploiter le filon jusqu’à l’extrême sur le confus Stone Rollin’. Gageons que Lloyd ne reproduira pas la même erreur que son illustre aîné, car si la teinte vintage est bel et bien présente, elle n’en reste que distribuée de manière clairsemée.

10% de Lloyd Banks

Pour cette attitude d’artiste en retrait, qui peine à s’imposer durablement. Lloyd est la personnification du chanteur au talent reconnu constamment snobé au moment d’élire des figures de proue. Une carence qui s’explique en partie par cette volonté latente de coller aux tendances sans jamais véritablement se différencier, un mal pour un bien au sein d’une scène r’n’b en cruel besoin de fraîcheur. A l’image de son homologue de la team de gorilles, Lloyd semble condamné à rester une comète que l’on apprécie voir passer, mais dont l’existence est presque aussi tôt oubliée. Une question de patronyme qui sait…

10% de Jaheim

Quelle idée de nommer ses albums « Lessons In Love », « Street Love » et « King Of Hearts » ? Franchement depuis Jaheim et sa série des « Ghetto », on n’avait pas vu pire comme intitulés. Une volonté exacerbée de prouver à la gente féminine que Lloyd reste envers et contre-tout l’ambassadeur de leur palpitant délicat ? Si l’entreprise peut faire sourire, elle apparait rétrospectivement comme un manque criard de créativité, révélatrice d’un artiste qui se cherche encore.

10% de Franck Dubosc

Sorte de petit roquet qui gueule plus fort que tout le monde pour se faire entendre aux côtés des grosses cylindrés du genre, à commencer par Chris Brown, Trey Songz ou Mario, Lloyd s’est imposé à grands renforts de regards de lover, de tatouages et de pectoraux bodybuildés. Une forme de respect qui s’est construite sur un semblant de suffisance et de matérialisme. En apparence seulement, compte tenu de la discrétion du bonhomme en dehors du cercle du show-business.

Lloyd est définitivement un personnage ambivalent qui se dévoile un peu plus à chacune de ses sorties. Patchwork d’influences diverses, le résident d’Atlanta signe avec King Of Hearts son meilleur album et l’une des sorties r’n’b de l’année. Un accomplissement d’envergure pour celui que l’on relaye fréquemment au second plan.

David Stern et sa petite tête de suricate doivent s’en réjouir. Jamais la NBA n’aura tant fédéré que pendant cette saison 2010-2011, au dénouement plus que jamais palpitant. Records d’audience, saison régulière attractive, playoffs savoureux, émergence de nouvelles figures de proue : la NBA s’offre une véritable cure de jouvence. Le début de saison houleux, marqué par l’épisode « The Decision », aura finalement impulsé significativement une regular season souvent décriée pour sa redondance et son manque d’intérêt. Au milieu de cet entrelacs de billets verts et autres magouilles, un homme se tient seul contre tous. Lebron James, naguère adulé par tout un chacun est devenu l’espace d’un été l’ennemi public numéro 1. Analyse d’une personnalité ambigüe.

The Chosen One

Star du lycée, phénomène physique hors du commun, Lebron James a été propulsé en NBA sans passer par la case formatrice de la NCAA, si bien que le sentiment qu’il n’a jamais grandi apparait comme une évidence. L’apogée ? L’épisode désastreux « The Decision », summum de la suffisance et implacable métaphore d’un caprice de star à qui on ne peut rien refuser. Les allégations selon lesquelles l’ensemble des bénéfices induits par l’émission télévisée seront reversés à des associations caritatives n’y changeront rien. Lebron vient de ternir son image à jamais. Rapidement, les médias s’engouffrent dans la brèche, en tirant à vue sur l’autoproclamé The Chosen One, décriant son manque de maturité et sa tendance à attirer la lumière à outrance. Son tatouage, l’”Elu“, inscrit dans son dos est le symbole d’une arrogance un tantinet insouciante, dissimulée sous un talent incommensurable. Quelques minutes après « The Decision », les posters à sa gloire sont arrachés avec vigueur dans Cleveland, les maillots sont brûlés et les insultent pleuvent. Le Roi est mort, vive le Roi…

« That nigga you love to hate »

Lebron James est un paradoxe ambulant de 2m05 et 120 kilos. S’il est indéniable qu’il fait partie des tous meilleurs ballers du monde, le joueur le plus médiatisé de la NBA est une source intarissable de critiques. Capable du meilleur (la finale de conférence 2007 contre les Pistons où le King marquera 29 des 30 derniers de points de son équipe pour arracher la victoire) comme du pire (sa performance du Game 4 des Finals où Lebron finira avec 8 petits points, sans avoir d’impact véritable sur le jeu), James divise. L’ailier fort du Heat est l’exemple même du joueur que l’on aime détester, mais que l’on apprécie sous couvert d’un semblant de dignité. De ses danses provocatrices contre les Bulls, à ses déclarations pendant les finales où il affirmait être inarrêtable, Lebron provoque et attise la haine constamment, sans le vouloir. L’image d’un grand gamin dans un corps de géant s’impose alors d’emblée, si l’on s’y intéresse un tant soit peu. Entouré par des amis d’enfance en guise de managers, difficilement gérable tout en étant une icône marketing et un business man avisé, ce proche de Jay-Z a bâti sa réputation sur un sentiment de puissance inégalable. Le Miami Heat version 2011 semble alors édifié sur une haine latente, attisée par un ressenti mêlant trahison, dégoût et excitation palpable. Rarement une équipe aura tant déchaîné les passions, Jeff Van Gundy allant même jusqu’à déclarer que la team de South Beach était en mesure de faire tomber le record des Bulls de 72 victoires en saison régulière. Si la comparaison reste vaine, elle n’en reste pas moins symbolique des attentes suscitées par ce Big Three, au talent et à l’envie réjouissante, tout en devenant par la même le collectif le plus détesté de la NBA. En capitalisant sur l’émergence de ces nouveaux Bad boys, les hautes instances de la NBA savourent : la haine est « bankable ». Lebron James fait alors office de vilain petit canard et de poule aux œufs d’or.

Lorsque la machine s’enraye

On a pour coutume d’affirmer que les joueurs qui marquent l’histoire se révèlent dans les moments importants. Jordan et Kobe, auxquels on compare souvent Lebron James avaient le sang froid comme de la glace lorsqu’il s’agissait de planter le panier de la victoire. James, lui, s’efface inexorablement dans le money time, préférant faire jouer les autres que de prendre ses responsabilités. Si l’on avait entraperçu un élan de confiance jusqu’alors inconnu dans les séries contre les Bulls et les Celtics, le King semble pendant ces finales NBA indéniablement en retrait, éteint par l’éclat d’un Dwayne Wade retrouvé. Les chiffres sont éloquents : James n’a scoré que 11 petits points sur l’ensemble des 5 quatrième quarts-temps de la série. Lorsque la confiance affichée est mise en péril par une nécessité capitale de dominer, le mur s’effrite et l’arrogance est laissée au placard. Lebron James semble alors apparaitre sous son véritable visage, celui d’une star de show-business aveuglée et apeurée par les lumières du succès, encore trop timorée pour véritablement prétendre à quelque trône que ce soit. Du moins pour l’instant. En témoigne sa démission dérangeante lors des playoffs 2010 avec les Cavs, où l’Elu avait disparu des radars, laissant Boston gravir tranquillement les marches vers la finale.

Qui est véritablement Lebron James ? La machine à stats, le gendre idéal à la puissance de frappe effrayante ou le joueur surcoté et arrogant, incapable de peser dans les matchs importants ? Difficilement déchiffrable, coupé du monde par une carapace infranchissable bâtie sur une volonté maladive de domination, King James devra retrouver un semblant d’humanité. Haters et fans les plus fidèles s’y accordent : Lebron est sans conteste l’une des personnalités les plus convoitées de ces dix dernières années. Et c’est bien cela le problème…

En toile de fond : la ville de Detroit, tentaculaire et fantomatique, depuis la crise du secteur de l’automobile. En guise d’artistes : Eminem et Royce Da 5’9, perpétuels peintres au coup de pinceau morne et grisonnant. Bad Meets Evil ou lorsque le Mauvais rencontre le Diable… L’intitulé donne le ton d’une fresque étendue sur plusieurs années, parachevée par des destins se juxtaposant sans jamais véritablement se rencontrer. Retour sur une œuvre qui a bien failli ne jamais voir le jour, la faute à un parcours jalonné d’embûches.

Detroit State Of Mind

Originellement soudés par une amitié commune, celle de feu Proof, et une volonté maladive de mettre Detroit au centre de la carte du hip-hop, Eminem et Royce Da 5’9 se sont rapidement retrouvés en position de rapport de force. Fameux sous le nom de Bad Meets Evil, le duo semblait pourtant promis à un avenir radieux, en capitalisant sur l’aisance lyricale d’un Eminem affamé et sur la street-cred de Royce, en témoigne l’incendiaire « Bad Meets Evil » sur le Slim Shady LP du blondinet. Le détonateur ? En signant sur Interscope au début des années 2000, la carrière d’Eminem et de D12 va migrer vers des horizons plus radieux que les simples rues dégoulinantes de pauvreté de Motor City. Royce Da 5’9, cantonné à un rayonnement underground lancera les hostilités : le point de non retour est atteint. Tandis que Shady devient la star internationale que l’on connaît, Royce sombre dans une indifférence dérangeante, implacable métaphore d’un MC talentueux à qui le succès refuse irrémédiablement d’ouvrir ses portes. Si les parcours semblent diamétralement opposés, il ne serait pas présomptueux d’affirmer que les deux MC’s font chemin égal, et ce malgré leurs discordes passées. Avec en guise de fil d’Ariane une ville de Detroit empreinte d’une noirceur latente, chacune des sorties respectives des deux lurons, aussi bien dans leurs intitulés (Death Is Certain), qu’au niveau du ton global (The Slim Shady LP, The Marshall Mathers LP), étaient marquées du fer rouge de la démence et d’un pessimisme confronté à une réalité assombrie. Affecté par la disparition brutale de Proof, et alors qu’Eminem s’émancipe de l’influence de sa ville natale tandis que Royce retrouve un semblant de buzz, le duo Bad Meets Evil se reforme, à la surprise générale. Simple démarche marketing ou véritable volonté de collaboration ? En revendiquant un côté « dark » parfaitement assumé jusque dans la cover du projet, l’association avait de quoi faire saliver. Trônant au centre d’un décor chaotique, les mines patibulaires, les deux artistes semblent s’assoir sur le sacro-saint Billboard au profit d’une authenticité retrouvée. Bad Meets Evil : ou comment amasser le plus d’argent possible sous couvert d’une amitié symbolique.

Bienvenue en enfer

Noyé sous le flow perpétuellement accéléré d’Em’ (Soulkast, sors de ce corps !), embrouillé par des beats sirupeux et convenus, Royce Da 5’9 se perd dans les méandres d’une banalité déconcertante. A l’image de Recovery, dernier effort en date du (jadis) subversif Slim Shady, Hell : The Sequel est un projet auquel on s’accroche désespérément, conscient d’une qualité bien trop clairsemée pour être pleinement évidente. Si « Welcome To Hell » et « Fastlane » laissaient entrapercevoir un opus de qualité, « A Kiss », « I’m On Everything » et « Lighters », banals et indignes de MCs de la trempe d’Eminem et Royce pénalisent une sortie que l’on aurait aimé largement plus percutante. Il est indéniable que parmi le vivier intarissable de talents de la scène hip-hop à Detroit (Elzhi, Phat Kat, Guilty Simpson, Black Milk, T3, Buff1, NameTag…), le duo est le plus bankable, si bien que sa réunification a été annoncée en grandes pompes et relayée à outrance par les médias. Un bien pour un mal. Si sur un morceau comme « Welcome To Hell », l’initiative apparait louable, il devient vite difficile de déceler un semblant d’alchimie entre les deux MCs, à tel point que ce que tout un chacun prenait pour une volonté honorable de faire de la musique sans concession, pied de nez volontaire à une industrie étouffante de conformisme, semble être une démarche marketing régressive.

Entre enfer et réalité, les artistes semblent avoir égaré en route leur authenticité artistique légendaire. Redescendu vers des horizons plus terriens par un Eminem redondant et un Royce ayant perdu de sa verve, le duo s’est adoucit, se laissant porter par les remous de la conjoncture, pourtant délibérément pointée du doigt. Bad Meets Evil, ou l’authenticité sacrifiée sur l’autel d’un symbolisme famélique…

« My Mixtape game is active ! »

Initialement utilisée au début des seventies, pour capturer les performances de Bambataa ou Kool Herc aux prémices du mouvement hip-hop, la Mixtape a pris de l’ampleur au cours des années, notamment grâce à son inventeur, Kid Capri. Alors que le rap devient un phénomène global et contagieux, celle-ci s’est imposée comme un passage obligatoire aussi bien pour des DJ’s en quête de reconnaissance, que pour des MC’s désireux de se bâtir une renommée dans l’underground dans l’espoir de susciter l’intérêt des maisons de disques. Comprenons-le bien : sans Mixtape, le rap tel qu’on l’envisage actuellement n’aurait pas le même visage. Qu’aurait été la carrière des collectifs G-Unit, Diplomats ou de MC’s tels que Drake, Lil Wayne, Lil Flip, The Game, T.I et Maino, sans cette nouvelle forme de promotion émanant directement des entrailles de la rue ? Tandis que le sacro-saint disque audio perd de sa superbe, la Mixtape revient sur le devant de la scène, couplée au développement des albums livrés gratuitement sur le net via Bandcamp. Mac Miller en est l’exemple le plus probant. Le jeune MC de Pittsburgh a réussi à créer un événement sans précédent avec son projet Best Day Ever, à la qualité voisine d’un véritable album, et téléchargé près de 30 000 fois en une heure !

L’abandon progressif du support CD

Résignés à se fondre dans le moule d’une industrie musicale brinquebalée par les aléas de la conjoncture, les MC’s recentrent leurs efforts sur les projets gratuits, disponibles en quelques clics. A tel point que certaines Mixtapes se rapprochent, qualitativement parlant, d’une sortie officielle (les efforts de Cutlass Reid, Odd Future, Jadakiss, Drake ou Kendrick Lamar sont autant d’exemples révélateurs). On assiste alors à un revirement des préoccupations vers la performance scénique. Les Mixtapes ne sont plus destinées à baliser le terrain en vue de la sortie d’un album officiel mais bien à promouvoir et assurer la renommée d’un artiste en amont, dont le dénouement artistique est la scène. La sortie d’un support physique s’apparente donc à une étape obligatoire reléguée au second plan, condition sine qua non à l’achèvement d’une campagne promotionnelle. Blitz The Ambassador n’a ainsi écoulé que 217 exemplaires de son fabuleux Native Sun en première semaine, alors que le MC fait salle comble à chacune de ses prestations. Le constat est similaire pour les CuninLynguists, collectif au succès commercial désuet.

Les Mixtapes : un fléau ?

On se souviendra de l’affaire DJ Drama et DJ Don Cannon, saisis par les autorités judiciaires pour de sombres histoires de samples et d’instrumentaux utilisés sans respect du copywright en vigueur. Si certains rappeurs utilisent à outrance le marché des Mixtapes, vouant son caractère lucratif et immédiat, d’autres regrettent ses dérives et constatent bien souvent que leurs titres sont usités dans des Mixtapes sans autorisation préalable. La Mixtape, un fléau ? Si les pratiques restent douteuses, il ne serait pas présomptueux d’affirmer que limiter leur impact reviendrait littéralement à condamner des MC’s dont la carrière repose en majeure partie sur ce socle indéniablement instable, mais ô combien productif.

Le CD est mort, vive la Mixtape ! Cet adage un rien convenu dissimule une réalité implacable, symbole des maux du monde de la musique moderne. Un cercle vicieux pour certains artistes qui restent cantonnés au marché des Mixtapes (Papoose, Red Cafe, Uncle Murda, Charles Hamilton), victimes de la réticence des maisons de disques à livrer des projets dont les retombées commerciales sont friables. Car si le support physique apparait désormais suranné, il demeure une étape capitale dans l’établissement d’une identité artistique, que les projets mis à disposition gratuitement sont dans l’incapacité de fournir.

“There are all kinds of Mixtapes. There is always a reason to make one”

Rob Sheffield – Rolling Stones.

Du playground au studio, la frontière est souvent imperceptible et volontairement franchie. Sans tomber dans des clichés au caractère régressif, il ne serait pas présomptueux que d’affirmer que les voies artistiques et sportives semblent être des alternatives salvatrices, aussi utopiques qu’elles puissent paraître pour des jeunes dont l’avenir est embrumé par des perspectives réduites. Allen Iverson, Baron Davis ou Carmelo Anthony sont les exemples les plus éloquents. Le bitume et le micro, éléments d’expression au caractère vindicatif sont autant de composantes authentiques mises à la disposition d’une communauté bien souvent contrainte à user de ces vecteurs populaires pour faire valoir sa capacité de contestation. Partant, et même si le rapprochement peut être belliqueux pour les hautes sphères de ce business grandiloquent et bien souvent davantage mercantiliste qu’orienté vers la performance sportive qu’est la NBA, le rap et le basketball semblent intimement liés.

Lorsque le rap infiltre le basketball

On ne compte plus les joueurs NBA à avoir entrepris d’embrasser une carrière de MC. Si certains s’y sont essayés avec plus ou moins de succès (Shaquille O’Neal), d’autres regretteront certainement leurs ambitions démesurées (Jason Kidd, Kobe Bryant, Allen Iverson, ou Ron Artest). Qui a parlé de Tony Parker…? Faméliques et sujettes à des railleries justifiées, les pistes enregistrées par ces sportifs vantards et dénués de sens critique mettent en exergue les liens de parentés évidents entre les deux mouvements, tous deux puisant leur source dans l’adversité et le besoin de prouver une supériorité apparente.

Intronisé par Allen Iverson, le style vestimentaire, largement inspiré de la tendance dictée par les rappeurs, dérange. Surtout que beaucoup se sont empressés d’imiter celui que l’on surnomme “The Answer”, Lebron James, Paul Pierce ou Josh Howard en tête. L’ensemble des clichés réducteurs que l’on veut bien attribuer aux MCs fait rapidement son apparition sur et en dehors des terrains de basket. Les tatouages se multiplient, les chaines en diamant, casquettes, bandanas et sapes XXL sont désormais légion. Bousculé de son piédestal, fervent militant d’une NBA lisse et en adéquation avec les valeurs puritaines de l’Amérique, David Stern, le haut commissionnaire, impose un dress-code limitant les signes ostentatoires de richesse et provocateurs fièrement arborés par des joueurs revendiquant pleinement leurs origines populaires. L’image renvoyée par ces athlètes largement inspirés du mouvement hip-hop est l’objet de stigmatisations, les instances dirigeantes étant habituées et friandes de la dureté du jeu (les Bad Boys de Detroit en sont l’illustration parfaite) mais réticente quant à concéder du terrain à ce mouvement contestataire, parfois délibérément violent et misogyne qu’est le rap. Le système était pourtant gangréné depuis bien longtemps…

Ballin’ !

De la sueur dégoulinant sur le macadam du Rucker Park aux joutes verbales enflammées des battles, peu de différences. Le moyen d’expression diffère mais la rage reste la même.

Le rap se fait alors la bande-son officielle des avant-matchs suffocants et des joutes dégoulinantes de maitrise des playground aux quatre coins de l’Amérique. Réguliers sont les tournois de charités organisés par les écuries Distributing Tha Peace, Derrty Ent et So So Def, réunissant sous leur houlette un parterre de stars du hip-hop maniant la balle orange avec envie et habilité (Bow Wow, Nelly, Common, Ludacris, Chris Brown et The Game). On se souviendra également des terribles teams de streetball réunies sous la houlette des écuries Ruff Ryders et Terror Squad, martyrisant les chevilles des “ballers” aventureux.

Des émissions consacrées à la balle orange, telles que Ballin’ ou Eddy Half Time sur Canal +, accordent une place prépondérante au rap dans leurs playlists. Les amitiés entre The Game et Baron Davis, Jay-Z et Lebron James sont établies, les films mêlant rap et basketball (He Got Game, Coach Carter et Just Wright avec Common) sont fameux, si bien qu’il apparaît que hip-hop et basketball sont résolument indissociables.

Au même titre que Nelly et ses Charlotte Bobcats, Jay-Z est actionnaire minoritaire des New Jersey Nets, et aurait pu, de par son amitié revendiquée avec Lebron James, faire pencher la balance de son côté lors du feuilleton risible de cet été : “The Decision”.

Une réalité qui dérange…

Si les basketteurs assument ouvertement leur attachement à la communauté hip-hop et inversement, l’amalgame dissimule une réalité qui dérange : celle se nourrissant des clichés selon lesquels les jeunes des ghettos n’auraient d’autres ambitions, ou d’autres alternatives, que de devenir basketteur ou MC. Obama soutenait cette thèse lors de son premier discours, mi-2009, après avoir remporté les élections :

“They might think they’ve got a pretty good jump shot or a pretty good flow, but our kids can’t all aspire to be LeBron or Lil Wayne. I want them aspiring to be scientists and engineers, doctors and teachers — not just ballers and rappers. I want them aspiring to be a Supreme Court Justice. I want them aspiring to be the President of the United States of America.” (“[Les enfants] pensent peut être qu’ils ont un bon jump shot ou un flow intéressant, mais ils ne peuvent pas tous s’inspirer de Lebron James ou Lil Wayne. Je veux qu’ils aspirent à devenir des scientifiques, ingénieurs, docteurs ou professeurs, pas seulement des basketteurs ou des rappeurs…”)

Une thèse soutenue par Talib Kweli dans sa track “Drugs, Basketball & Rap”

“Niggaz gettin’ caught in the trap / For the cash it’s the drugs, basketball or the rap / There’s more to us than that”. (“Les négros se font piéger / Pour faire de l’argent, il ne reste que les drogues, le basketball et le rap / Nous pouvons faire plus de choses”)

Rap/basketball, même combat ? En capitalisant sur une authenticité revendiquée et des origines populaires communes, les deux mouvements sont des sources intarissables d’inspiration, chacun puisant et s’inspirant de l’autre. Nombreuses sont les stars du hip-hop à assister aux games NBA et nombreux sont les basketteurs à soutenir les démarches artistiques des MC’s (en témoigne l’apparition de Lebron dans un clip de Jay-Z). Si l’ensemble reste du domaine de l’entertainment, l’association cache un constat d’ampleur, celui du déterminisme social et de la capacité des jeunes issus du ghetto à s’émanciper de l’influence de leurs icônes. Il apparait alors compliqué de mettre en péril la thèse avancée par Barack Obama…

1993, dans les tréfonds de Los Angeles, un chien retrousse les babines. Doggystyle explose à la face du monde, emmené par des beats teintés de G-Funk diffus concoctés par le Docteur le plus célèbre du “game”. Calvin Cordozar Broadus Junior n’a alors que 22 ans, mais d’aucuns lui prédisent déjà une carrière mirifique. Ses locks avenantes balancées par le vent des critiques qu’une Amérique puritaine lui attribue volontiers, Snoop incarne l’anti-gentleman au discours misogyne et violent que l’on admire sous couvert d’un semblant de dignité. Dix-huit ans qu’un grand échalas élevé au grain funky des eighties traine sa carcasse filiforme dans un “game” qui lui voue une admiration sans borne. Doggumentary, projet aux contours faméliques oscille vigoureusement vers une rédemption artistique bien venue. Analyse.

Snoop Dogg, le paradoxe ambulant

Tantôt enragé, tantôt doux comme un agneau, Snoop aime créer la controverse. Depuis ses déboires avec la justice et son accusation de meurtre à l’orée de sa carrière (“Murder Was The Case”), jusqu’à la création de sa ligue de football, la carrière du chien semble s’être forgée sur un paradoxe. Naviguant sans accroc au sein d’une scène hip-hop qui aura vite fait de l’ériger en icône, il ne serait pas présomptueux d’affirmer que rarement Snoop aura convaincu, artistiquement parlant. Si le Crip peut se targuer d’avoir délivré une pléthore de singles entêtants, parmi lesquels “Beautiful”, “Drop It Like It’s Hot”, “Bitch Please” ou “Snoop Dogg (What’ My Name) ?”, rarement ses albums auront convaincu sur la longueur, pénalisés par une volonté latente de coller aux tendances. Personnage ô combien funky, le Dogg semble continuellement s’égarer entre l’héritage de Georges Clinton et les ramifications douteuses du Dirty South. Il suffit d’écouter Malice In Wonderland pour s’en convaincre. A l’heure où les deux botanistes en herbe Wiz Khalifa et Curren$y, ses héritiers légitimes, imposent aux forceps leur flow laid back, portés par une atmosphère où les effluves de weed sont légion, Snoop Dogg s’illustre depuis des années comme un vétéran dépassé, s‘accrochant pitoyablement à un arbre où les branches sont en friche, dépouillées par une inspiration en berne. Après un dernier effort à la limite de l’inaudible et un Ego Trippin’ où l’argument de la recherche artistique était avancé pour cacher un manque de créativité évident, Calvin Broadus se fendait il y a peu de déclarations dénuées de pertinence pour promouvoir son nouvel effort auprès d’un public déphasé.

“Je suis dans le “game” depuis si longtemps et j’ai toujours la même passion qu’à mes débuts. Je souhaite que mes fans roulent avec moi, et je me concentre pour leur donner de la bonne musique. Ca s’appelle Doggumentary Music parce que c’est ma vie, et je veux partager cette musique ainsi que mon processus de travail avec mes fans”

Doggumentary semble alors être l’ultime occasion pour Snoop Dogg de s’imposer définitivement en tant que MC solide, doué de constance et digne du statut que l’on veut bien lui prêter. Pétard mouillé ou retour en grâce ? La réponse est mitigée.

Sur fond de Gangsta Rap et G-Funk

Sur la cover, un trône, laissé vacant, bleu comme la couleur des Crips, vide et métaphoriquement occupé par un Snoop sur le retour. En filigrane, les rues de Long Beach. En surface, les aboiements sirupeux d’un canin à la verve retrouvée. Subrepticement, le bassiste Bootsy Collins appose son falsetto granuleux sur un beat enlevé d’un Jake One inspiré. La suite ? Une succession de tracks funky ensoleillées (“Wonder What I Do”, “We Rest In Cali”, “El Lay”) et davantage terre à terre, où les beats épurés de Mr Porter (“My Own Way”) et du vétéran BattleCat (“The Way Life Used To Be”) véhiculent une odeur de bitume délicieusement irrespirable. Versatile et amoureux de musique country, Snoop s’essaye avec brio à l’exercice, accompagné par un riff de guitare bien senti et l’harmonica conquérant de la légende Willie Nelson, où l’on surprend le MC chantonner vigoureusement. A l’aise et en proie à un besoin évident d’expérimentations, le natif de Long Beach s’aventure avec talent sur le terrain de son jeune padawan Wiz Khalifa sur le plantureux “The Weed Is Mine”, à l’intitulé suggestif. Au milieu de cet entrelacs de pistes résolument efficaces, où le rappeur apparaît étonnamment affuté, persiste des égarements incompréhensibles. Le summum ? L’insipide “Wet”, véritable ovni adipeux à la texture auto-tunée défrisante. Le vétéran fauché Scott Storch tente quant à lui une incursion avec l’irritant T-Pain sur “Boom”, pirouette périlleuse faisant écho à l’insipide “Platinium”, porté par un R. Kelly essoufflé.

En pilote automatique depuis Tha Blue Carpet Treatment, l’interprète de “Gin and Juice” revient à ses premiers amours en laissant libre cours à son génie créatif, embrumé par les effluves de Cali. Confortablement installé dans son fauteuil soyeux, enveloppé dans un écrin funky bien venu, le Snoop Dogg nouveau esquisse le sourire narquois du Godfather.

Don’t call it a comeback, he’s been here for years…

Si l’ascension est vertigineuse, la chute l’est tout autant. Il est compliqué de s’accoutumer à l’accalmie lorsque la reconnaissance et le succès vous font les yeux doux pendant la majeure partie de votre carrière. Comment concéder du terrain à l’obscurité lorsque la lumière n’a cessé de vous éblouir ? Snoop Dogg, Ice Cube, Fat Joe, KRS One ou R.Kelly, tous se sont brûlés les ailes à trop vouloir se mouvoir dans une conjoncture musicale tendancieuse. Si bien qu’en spectateurs passionnés, on assiste, aujourd’hui, à la recrudescence d’un phénomène tenace : les papys du hip-hop font de la résistance, clamant haut et fort à qui veut l’entendre leur envie renouvelée de s’imposer dans une industrie qui s’évertue à les foutre à la porte. Analyse d’un phénomène aux variables diverses.

Les rookies en ligne de mire

Le rapprochement est aisé et révélateur du cataclysme qui agite aujourd’hui le « game » avec une ampleur que peu avaient anticipé. Les rookies s’accaparent le marché, reléguant les vétérans et leurs arabesques passées au rang de simples vestiges d’un temps révolu, entretenus par une reconnaissance dont seuls les puristes peuvent se targuer de témoigner. Avec l’avènement de cette nouvelle génération de MC’s, c’est toute une vision du hip-hop qui change et s’adapte au moule confectionné par des artistes dont la côte de popularité ne cesse de grimper. Instigateurs d’un style vestimentaire nouveau accentué par une attitude “chillax” (Mac Miller, New Boyz) où les effluves de substances illicites sont légion (Wiz Khalifa, Curren$y, Smoke DZA) et les références aux pionniers du genre nombreuses (Nipssey Hussle, Big K.R.I.T), le mouvement hip-hop actuel – les vétérans les premiers -semble graviter autour de cette vague de fraicheur bien venue. Au milieu de cet entrelacs de nouvelles figures de proue aux aspirations aussi ambitieuses qu’un jeune Derrick Rose en quête de son premier titre de MVP, difficile de se faire une place au soleil.

La solution ? S’aventurer sur le terrain périlleux de ces nouvelles coqueluches en s’acoquinant avec leurs beatmakers (Fat Joe, Snoop Dogg) et en perpétuant une image de Godfather sur le retour (Ice Cube, R.Kelly), tout en courbant l’échine pour se plier aux nouvelles règles d’une industrie qui a vite fait de tourner en dérision les artistes au potentiel marketing faiblard. Exit les DJ Premier, Alchemist, The Bomb Squad, DJ Muggs, place aux Bangladesh, DJ Khaled ou Rico Love et leurs sonorités aseptisées et vendeuses. Si Snoop Dogg et son Malice N Wonderland, le dernier effort d’Ice Cube ou le déplorable J.O.S.E 2 de Fat Joe sont des illustrations idéales de ce fourvoiement artistique inquiétant, d’autres préfèrent opérer un retour aux sources salvateur en laissant les rookies évoluer en marge d’un mouvement qui s’est construit et développé sans eux.

Back to the basics…

En acceptant leur statut, lucides et conscients de leur impact, les “papys”, à l’image de Ginuwine et de son “Back To The Basics” entreprennent une mini-révolution artistique, en s’extirpant d’un carcan “hype” réducteur et serré comme les Jeans des New Boyz pour proposer des sonorités paradoxalement old school et fabuleusement actuelles. Le funk adipeux du dernier album de DJ Quik, couplé aux effluves de weed de Cali d’un Snoop Dogg retrouvé sur son “Doggumentary” attestent d’une prise de position nécessaire et progressiste, qui replace au centre du débat l’authenticité, bien souvent sacrifiée sur l’autel de la quête mercantilique. Même Fat Joe, que l’on croyait définitivement perdu après ses égarements à Miami aux côtés des effroyables DJ Khaled, Birdman et autres Drake a pris l’ensemble de ses auditeurs à contre-pied en livrant un “The Darkside Vol.1” teinté d’une couleur gris-noir, comme le bitume dont le mouvement hip-hop est extrait.

Car si les vétérans s’inspirent largement des rookies pour se (re)construire une identité artistique en berne, le contraire est également vérifiable. Nippsey Hussle, Curren$y ou Wiz Khalifa, tous se revendiquent de l’influence de Snoop, mogul ô combien influent et fédérateur, malgré une carrière en dents de scie. L’excellent Big K.R.I.T, auteur de deux opus remarquables (“K.R.I.T Wuz Here” et “Return Of 4Eva”) ne cesse de faire référence aux Scarface, UGK et autres Outkast, légendes indéboulonnables encore en activité, et dont chaque sortie suscite autant l’excitation qu’une crainte de les voir succomber aux sirènes avenantes de la facilité, au détriment d’une véritable recherche artistique.

Les vétérans dépassés ? A l’heure où Pete Rock et Smiff & Wessum préparent un album en collaboration qui s’annonce brutal et velouté, la réponse est catégorique. Si XXL consacre chaque année une couverture aux freshmens prometteurs, n’oublions pas que le mouvement hip-hop s’est avant tout construit grâce à ceux que l’on se plait à nommer “papys” du rap. En s’éloignant irrémédiablement de l’univers formaté de leur descendance, cette horde d’irréductibles MC’s se plaît à développer un art où les influences passées sont mises en exergues.

“What more can I say ? I wouldn’t be here today, if the old school didn’t pave the way !” Les Brand Nubian sur “Dedication”, samplé par 2Pac sur “Old School”.

22 Février. Le soleil se lève enfin sur Brooklyn. Joell Ortiz, la trentaine bedonnante esquisse un sourire. Un Hoodie Champion sur les épaules, des Timberland immaculées aux pieds, le natif de BK avale hâtivement des chicken wings, Today Was A Good Day d’Ice Cube enveloppant délicieusement ses tympans. Rassasié, il respire intensément les odeurs d’un quartier en pleine ébullition, et pénètre dans le monde extérieur d’un pas conquérant, sa voix nasillarde s’apprêtant à inonder les rues d’un New York qui a perdu de sa superbe…

Retour sur un parcours semé d’embuches, qui aura mené le Porto Ricain, après bien des déboires, à ce statut salvateur de « Free Agent »…

« I wake up HipHop, Go to sleep HipHop, dream ‘bout HipHop, cuz’ I am HipHop »Joell Ortiz sur HipHop

Joell Ortiz, la définition d’un paradoxe

A l’instar de Saigon, Joell Ortiz est l’archétype d’un MC tapi dans l’obscurité du système Underground Américain, à la fois révélateur de talent et cercle vicieux abyssal dans lequel beaucoup ont laissé des plumes. Indéniablement talentueux, Joell Ortiz avait le « all package » comme dirait l’autre, un flow incisif, des lyrics acérés et une gueule, une attitude authentique à mettre en berne la crédibilité de Maino, son homologue de Bed Stuy. Seulement voilà, après une période faste où le MC remportera la Batlle organisée par EA Sport avant de se voir offrir un deal avec So So Def, l’écurie du mogul Jermaine Dupri, Ortiz est vite retombé dans l’oubli général, aussi pétrit de talent soit-il. Celui qui s’illustrait dans la mythique “Unsigned Hype” du magazine The Source en 2004 signe alors sur Aftermath dans un élan de désespoir,et se retrouve pris dans l’étau d’une maison de disque aux ambitions davantage lucratives qu’authentiquement HipHop. C’est finalement sur le label indépendant Koch Records, et avec une visibilité largement réduite que Joell Ortiz sortira son premier effort, le bien nommé “The brick : Bodega Chronicles“. Le succès critique est d’ampleur, le line-up prestigieux (Showbiz, Alchemist, Novel, Immortal Technique, Big Daddy Kane, Styles P…) permettra au projet de réaliser un parcours remarqué dans l’Underground, sans pour autant convaincre des maisons de disque rebutées par le caractère brut de décoffrage de l’univers du MC. Le salut viendra du collectif SlaughterHouse, sorte d’association de MCs en perte de vitesse, bouchers découpeurs de Beats avérés signés sur E1.Joell délivre alors un “Free Agent” au titre paradoxal, sur cette même maison de disque, dans un contexte largement conflictuel, où le MC se retrouvera piégé par un label aux ramifications douteuses.

“Free Agent” serait-il alors l’authentique produit de Joell ou simplement un projet réalisé à la va-vite pour s’extirper de contraintes contractuelles néfastes ?

« Blood Of A Slave, Heart Of A King »

A la fois Rookie et Vétéran, dans l’air du temps tout en étant un tantinet régressif dans le discours « New rappers are cool but we still bump Biggie », Joell a décidemment un pied ancré dans le passé, donnant à ce “Free Agent” une orientation Old School appréciable (« Put Some Money On It », « Killed For Less », « Sing Like Bilal »). Persiste cependant la dérangeante sensation de se délecter de titres composés à la va-vite, quelconques, en témoignent ces collaborations avec Fat Joe, le LOX ou du Beat de Dj Premier, peu inspiré.

Des carences qui viennent mettre en exergue le caractère redondant de l’univers de Joell, finalement pénalisé par une intensité rapidement étouffante, à l’image « Oh ! », la décevante collaboration avec un Large Professor qui refourgue pour le coup ses fonds de tiroir.

On sent ainsi Ortiz esclave de cette volonté de rester authentique, tout en gardant la constance d’un Roi, attaquant chaque Beat avec une énergie détonante (“Nursery Rhyme”, “Cocaine”, “Battle Cry”, “Finish What You Start”), contrebalancée par des productions au rabais (“Call Me”, “So Hard”, “Oh !”).

A défaut d’être pleinement convaincante, cette galette a le mérite de signer le retour d’un des plus fameux Mcs du Game dans les Charts. Ce “Free Agent” s’en sort finalement avec les honneurs, en grande partie grâce à un Joell Ortiz irréprochable, ralentit par des choix artistiques douteux (pourquoi placer l’adipeux « Calle Me(She Said)” avec l’excellent Novel plutôt que le sublime « Night Train » ?). On aurait aimé que cet album soit irréprochable, que cet hommage poignant à DJ Screw, samplant Monk Higgins, « Good Man Is Gone » ait davantage d’impact, de même que le Beat saturé de Audible Doctor sur « Battle Cry »…Sévère ? Certainement. « Qui aime bien châtie bien »…

Joell peut cependant continuer de sourire. Enfin libre, qui sait de quoi le MC sera capable ?

Yaowa !

La note de la rédaction @@@ 1/2

KRS One a-t-il encore quelque chose à prouver ? En capitalisant sur une hégémonie certaine, symbolisée par près de 25 ans de carrière, et 21 albums dans la besace, on pourrait penser que son aura serait suffisante pour lui assurer une retraite honorable. Increvable, l’autoproclamé « Teacha » s’évertue pourtant sans discontinuer depuis « Criminal Minded » à distiller son flow saccadé et des lyrics souvent politisés (il est l’instigateur du mouvement « Stop The Violence »), portés par une voix de stentor à la puissance remarquable. Récemment, KRS One mène un véritable chemin de croix contre cette nouvelle génération de MCs aux aspirations plus lucratives que culturelles « You know I send these cats back to their mummy, cuz’ I’m the only MC with a World Wide Army » les toisant de l’air goguenard du Godfather (« Survival Skills » avec Buckshot en est l’exemple le plus probant).

“I think you just need to focus first of all with an album […] if you don’t have no foundation, no structure in what you wanna talk about, then it just comes out all over the place”

Cet énnoncé de Jay-z, suivi de psalmodations intenses “The rapper has more power over the children than the pastor. The rapper has more power over the children than the teacher. The rapper has more power over the children than the parents” laisserait présager un album intense, conceptuel et 100% Boom Bap. “Godsville” signerait-il alors le retour sur le devant de la scène de KRS One, après une série de déconvenues (« Meta-Historical », « Back to the L.A.B » et « HipHop Lives ») ?

“Hip Hop, you don’t stop, now true that. We cut with the Boom-Bip, scratch with the Boom Bap!”

L’homogénéité au détriment de la qualité ?

Nullement prétentieux, l’intitulé de l‘album est avant tout un hommage à KRS One et au quartier de Showbiz, Forest House, communément nommé «Godsville”.

A la fin des années 80, le collectif des Five percenter, composé de membres de la Nation of Gods dominait le quartier. La bande-son de Forest House ? KRS One et son Boogie Down Production évidemment. « Criminal Minded » s’impose alors comme l’hymne de toute une génération à laquelle Showbiz revendique fièrement l’appartenance.

Après Buckshot, Marley Marl ou True Master plus récemment, Lawrence Kris Parker est un habitué des albums collaboratifs. Manque d’inspiration ou simple volonté de retourner aux bases d’un Rap cohérent et homogène, fondé sur l’alchimie fusionnelle entre un MC et son DJ ? A l’écoute de ce « Show & Prove », la réponse semble mitigée. La lourdeur du discours, accablante métaphore d’un vétéran dépassé «Repeat what I said. I speak truth everyday and everyway, the 90’s was better, that’s what many say » met assurément en peril un ensemble déjà bien préjudiciable. A trop vouloir homogénéiser leur produit, ShowBiz et KRS One délivrent un projet certes intéressant de par cette prestigieuse association mais un rien redondant, pénalisé par des Beats trop épurés.

La déconvenue de Showbiz…

Eminent Beatmaker du légendaire collectif D.I.T.C, sa collaboration avec l’un des maîtres du Boom Bap s’annonçait brut de décoffrage et sans concession, à l’image de son « Sound Of Da Police » qu’il a confectionné pour KRS. Bien au contraire, ce sont des Beats aseptisés (« Legendary ») à la simplicité néfaste (« Hear Me More », « We Love This ») que l’acolyte de A.G délivre, à la surprise générale. Celui qui nous avait habitué aux boucles entêtantes des « Get Yours » et autres « Stand Strong » semble dépassé, comme usé par près de 20 ans de carrière derrière la MPC. Si les conquérants « Improve Myself », enveloppé par des cuivres rutilents et « Show Power » lançaient l’album sur les chapeaux de roues, la suite est loin d’être du même accabit. Ce n’est que lorsque E-Blaze, beatmaker français, remplace ShowBiz à la production sur « The Truth », que l’album reprend quelques éclats, sublimé par une fin chatoyante mais un rien convenue (« Another Day » Feat. Jay Nortey).

Les onze titres consommés, persiste la dérangeante sensation d’assister à la chute de deux légendes vivantes dans les abymes de la banalité…

La note de la rédaction @@@/5